Siendo Luis Buñuel, probablemente, mi director favorito de todos los tiempos, no sabría quedarme con una película suya como favorita, y sin embargo, siento mucho cariño por “La voie lactée” (1969). Vale, puede ser que la película sitúe como punto de llegada Santiago de Compostela lo que me influya, pero también me interese de ella su capacidad crítica, que permitía establecer un poco convencional punto de equilibrio entre el humor paródico y absurdo y cierto respeto que parte, como debe ser, de la habilidad para saber criticar con más inteligencia que rabia. En dicha película, se convenía la andanza de unos peregrinos por un literal y metafórico camino de Santiago donde se cruzaban las contradicciones de la fe cristiana; si Jesús fué hombre a ratos o Dios a tiempo completo, si tuvo hermanos, si se afeitó la barba alguna vez. Todas esas dudas simples que, de algún modo, planteaban el posicionarse seriamente con respecto a la naturaleza misma del dogma, a donde las escrituras no eran capaces de llegar. De este modo, Buñuel no criticaba la fe cristiana partiendo de la acusación, si no del mero retrato ante lo que era una sardónica pregunta de las que se haría un niño en catequesis.

En el prólogo del recién publicado “Génesis” de Robert Crumb, este hombrecillo, personalísimo, fetichista, cargado de talento, plantea su acercamiento al primer libro de la Biblia desde un respeto puramente documental, tratando de ser objetivo en grado sumo, transcribiendo desde el hebreo y distintas ediciones los pasajes reales y haciendo su función de mero ilustrador. Es asombroso comprobar como el trazo grueso, underground y afectado de este genio del cómic se amolda a las viejas ilustraciones de los libros de catecismo, porque aunque incluya más desnudos que aquellos, no resulta menos violento y perturbador, al crear toda una genealogía donde, el único protagonista, el único personaje que se mantiene constante durante todo el relato, es un Dios contradictorio, tanto en sus decisiones como su naturaleza, que de todopoderosa pasa a ser la de un ente que descansa, se enfada, da paseos y admite sus errores. Crumb ha dedicado cuatro años de su vida a este libro, que son pocos en comparación a los milenios que ha tardado el “Génesis” en ser como hoy lo conocemos, pero ambas son dos creaciones humanas francamente imprescindibles, y ahora, complementarias. Transcribiendo sin cambios el “Génesis”, Crumb ha conseguido la misma meta que Buñuel, manteniendo ese respeto que aún así, pone en evidencia lo mismo que critican; ambos han logrado que a pocos metros de alcanzar la Catedral de Santiago, uno decida que es mejor dejar de preocuparse, y disfrutar de la vida.

Scott Pilgrim tiene 23 años, vive en Toronto, toca en un grupo de mala muerte y ha empezado a salir con una adolescente asiática. Por algún motivo, empieza a tener recurrentes sueños con una chica en patines a la que no ha visto nunca. Probablemente Scott sólo sea un post-adolescente confundido y con demasiada imaginación, pero sus fantasías son más reales de lo que parece. Aunque en realidad Scott Pilgrim es protagonista del tebeo homónimo de Bryan Lee O’Malley que ahora ha publicado Mondadori.

Lo primero que llama la atención de Scott Pilgrim es que no parece nada nuevo: a primera vista no hay nada más que una estética cute de amerimanga (bastante hortera) para adolescentes, líos amorosos y un desvergonzado tono indie aderezado con humor blanco y casto. Pero además O’Malley captura con mucho acierto tanto una sensibilidad concreta, bastante honesta, en la que conbina con muchísimo acierto pequeñas estupideces diarias de un chico confundido con la más absurda y disparatada épica de artes marciales. Así es, lo que podría ser un trasunto feísta y alegre de Adrian Tomine termina revelándose como un postmoderno viaje a la cultura pop, siendo las disgresiones del relato, en forma de ciencia ficción, fantasía y peleas increíblemente ridículas, lo que enriquece y da vida propia a ese mundo ideal en el que Pilgrim es el autoconsciente y absoluto protagonista perfecto. Lo cierto es que O’Malley no hace más que trasladar una tendencia del relato romántico juvenil que mezclaba la fantasía como forma de escapar del asfixiante mundo de las relaciones amorosas, que ya provenía del manga, con títulos como D.N.A.² o Welcome to NHK, siendo el primero un rotundo fracaso de estructura y ritmo, y el segundo, un magnífico ejemplo a seguir que además, convertía sus disgresiones fantásticas en el eje que permitía articular crítica social desde el humor juvenil.

En la publicidad del primer tomo de sus aventuras, un amigo le pregunta a Scott si es un luchador o un amante, y Scott responde: “No soy sólo ambas cosas. Soy mucho más”. Y ese es el tono que marca el cómic sin ningún tipo de complejo. Scott Pilgrim puede no ser el mejor cómic que hayan leído, pero es infinitamente divertido y todo un análisis de los sueños, anhelos, miedos y esperanzas de la mentalidad postadolescente.

Quizás, el camino más corto para hacer cine es demostrar mucho talento con pocos medios. Esto no garantiza que haya una correspondencia entre autor y obra sin que los intermediarios medien demasiado, pues, al fin y al cabo, es dificil confiar en un director primerizo y propuestas arriesgadas, herméticas, que buscan un tipo de público muy concreto, alejado de modelos de mercado. Sin embargo, el clásico ejemplo del relato fantástico bien hurdido, en pocos escenarios, con pocos personajes y lleno de sorpresas ha imperado entre una nueva generación de directores que buscan su lugar.

De entre estos, la última en llegar es la ganadora del pasado Festival de Sitges”Moon”, de Duncan Jones. Es una película que nunca decae de ritmo y que mantiene el suficiente temple como para revelar su gran sorpresa lo suficientemente pronto como para hacer de ello el eje y no la excusa. En ese sentido, tenemos una película pequeña y modélica con un Sam Rockwell a veces muy justo pero también acertado y con planteamientos más que interesantes, aunque no renuncia a guiños infinitamente más sentimentales que la propuesta en sí, que llega a asfixiar en su frialdad. Se trata de una película que podría ser perfectamente un eco de “Los Cronocrímenes” (Nacho Vigalondo, 2007) en cuanto a muchos puntos en común estructurales (aunque no temáticos), la clara simpatía por el género y el decidido amor de ambos por Stanislaw Lem y su “Viaje a las estrellas”.  Pero, mientras la película de Vigalondo permitía al relato replegarse sobre sí mismo para mostrar un dibujo nuevo, Jones actúa de un modo mucho más lineal, y quizás más complaciente y previsible, dejando como principal defecto su indecisión a abordar con todas sus consecuencias su propuesta. Pese a todo, no traiciona en ningún momento y resulta francamente agradable encontrarse con películas que prefieren dejar claro su talento antes que su presupuesto. Será en proyectos como estos donde quizás se decida, en los próximos años, que merece realmente la pena del cine de género contemporáneo.

No hay casualidades. Todo es consecuencia de algo, todo tiene un objetivo y está organizado. Lo que no quiere decir que haya sido plenado por un ente pensante. A veces los profetas no son los que aventuran el futuro, si no los que son capaces de, como dice Larry David en “Whatever works”, see the big picture.

- La mala opinión de Armond White, crítico de New York Press, sobre la película “District 9″ trae como consecuencia que la puntuación media de la película en la página web Rotten Tomatoes no alcance el tan ansiado 100%. Eso provoca la furia de los usuarios contra el crítico, que pasa a ser la bestia negra de la critica cinematográfica en internet bajo el apodo de “troll”.

- Se estrena “Malditos Bastardos”, la última película de Quentin Tarantino. Un canto a favor del cine como herramienta transformadora de la realidad. Entre los innumerables y asfixiantes guiños cinéfilos, nos encontramos con un personaje que es a la vez, héroe de guerra y crítico de cine.

- Glenát recopila, aprovechando el tirón del estreno de la nueva película de Amenábar, las tiras cómicas que el escritor y crítico de cine Jordi Costa y el dibujante Darío Adanti han ido publicando periódicamente en la revista “Mondo Brutto”, bajo el título de “Mis problemas con Amenábar”. En esta nueva edición se da buena cuenta de algunos de los principales defectos que componen el panorama cinematográfico español, desde los festivales

- Fernando Trueba proclama que “el cine español es un montón de mierda del que surgen cosas hermosas” en una entrevista para El Mundo. Su película, “El baile de la Victoria”, basada en la novela de Antonio Skármeta, es preseleccionada para representar a España en la categoría de Mejor película en lengua no inglesa en los Oscars.

- El director del ICAA, Ignasi Guardans, anuncia la “discriminación positiva” como una salida para promover la falta de miradas femeninas en la realización cinematográfica en España. La noticia divide las opiniones del sector.

- En una carta a El País, el director Elio Quiroga pide una solución al problema de las descargas ante la necesidad de su cine, que no ha gozado nunca de una distribución razonable, pueda generar beneficios a partir de las ventas para el mercado doméstico de dvd.

- El director Jaime Rosales expone, en una carta a El País, su deseo de que el cine español se despolitice; aunque para ello se dedique a minusvalorar el cine “mediano”, aquel que no se centra ni en generar beneficios ni en producir arte.

- Los destructivos responsables de Lló Lo Beo Así contraatacan con la publicación de “Mussolini saludaba de película“. Más de una docena de firmas de sorprendente claridad expositiva dan cuenta de que el cine, en realidad, es una cosa un tanto estúpida, que nisiquiera merece tanta notoriedad. Y es que, si da para hablar tanto, es sin duda porque es mínimo común denominador, algo totalmente denostado, omnipresente y aburrido, en boca de todo el mundo.

Ahora todo tiene algo más de sentido. ¿Verdad?.